2014年5月の日記

FacebookページのLike数なんて、
多角的なインターネットのほんのひとつの要素に過ぎないし、
そうはいっても今となってはひとつの重要な部分、基準ではあるけれど。

広告を打ってLikeが増えるというのは、
ちょっと不思議な気分だけれど、

たとえば思い出してみると、
MySpaceの時代、
(今は、もう跡形もないのだろうけれど)
たくさんフレンドリクエストを送って、
フレンド数を増やすということが重要だと思われていた。
うちのバンドもフレンド数が一万に達したところで、
それらの管理に飽きてしまい、
また、そうこうしているうちにMySpaceの時代が終わってしまった。

けれども、その恩恵は、確かに少なからずあった。
かなりの部分、ルールがなく、カオス度が高く、虚飾の多かったMySpaceと違い、
Facebookの場合は、もう少しリアルで、社会生活にも密着し反映していることから、
MySpaceのときよりは、もう少し根強く、インフラとして残ってくれるんじゃないかという淡い期待はある。

けれども、Facebookだっていつどうなってなくなるかわからないから、
やはり多角的な攻め方をしないといけない。
そして結局のところ、インターネットはインターネットに過ぎない。
現実のほんの一部に過ぎない。
そのこともわかった上で、
また現代においては、かなり重要な一部であることも。

この年齢になり、この段階にさしかかり、
僕も正直なところ、現実的な成功、
それはつまり、小さなもので良いので、バンドや活動を維持するのに必要なだけ、
そして、バンドとしての目標、目的を達するのに必要なぶんだけ、
小さくてよいから現実的な成功というものが欲しくなっている。
とにかくも次の扉、次のステージへ進むために、
どうやっていったらいいか、悩み抜いていたりする。
これは当然のことだ。

もっとも、うちみたいなバンドが、ここまで生き残って続けてこれただけでも、
十分にラッキーというか、奇跡に近いと思うし、
そのことは知っている。
いろいろな条件や、営業努力とか、お客さんを楽しませる努力とか、
そういうの、一般のバンドのひとたちが、必死にやっているのを見て、
うちはとてもこんなの無理だなと思い、
同時に、よくうちはそれでも最低限ここまでもったよな、と思う。

とにもかくにも、
音楽、
そう、音楽ってなんだろう。
昨年から、ずいぶんと楽器という面から、
音楽について考え、自分なりにちょっとだけ追求し。

そして、世の中のいろんな人が、
いろんなギターを弾く人や、バンドマンや、
趣味でギターを弾く人だけでなく、
老若男女のプレイヤーたちが、
それを追求しているのを見るとき、

そして道を追求するということ、
たとえば本気でバイオリンなどを演奏し身をたてていこうとする人たちが、
プロとして身をたてようとたてまいと、
その道を追求する人たちが、
良い道具を手に入れるため、
また、良い教師につき、良い学校に行くため、
どれだけのお金をはらい、どれだけのものを犠牲にして
それを追求するものか、そう考えると。

ことエレクトリックギターという点に関しては、
おそらくは、そういったクラシックの人たちにくらべ、
何十ぶんの一、あるいはもっと少ない金額で、
自分の人生の答えは出てしまった。

けれどもあるいは、
音楽を演奏するということ。
そこに聞いてくれる聴衆、
受け取ってくれる人たち、
音楽を聴いてくれる人々がいるということ。
それも、大事な音楽の一部であることに気が付いた。
気が付いたっていうと、嘘だけど、
いってみれば、
楽器も音楽の一部であれば、
聴いてくれる人、リスナー、オーディエンス、聴衆、
それも音楽の大事な一部だということ。

ロックの場合は、
必ずしも高いお金を払って、ヨーロッパの歴史のある学校に留学する必要はない。
権威のあるコンクールで優勝する必要もない。

もちろん僕もこれまで、
音楽を追求するのに、
ずいぶんと学費というのか、
お金と犠牲を払ってきた。

けれども、
それはたぶん、このインターネットのインディーズ時代に、
一個のロックバンドとして必要なものを追求するのに、
たぶん、まだまだ、小さいのだと思う、
僕が支払ってきたものは。
なぜならクラシックの世界をはじめ、
本当に道を究めようとする人々は、
もっと大きな犠牲を支払っているからだ。

小さなスケールから始めているけれど、
PR活動は、PR広告は、
打てるうちに打っておこうと思う。

なぜなら今は僕らみたいな小さなバンドでも、
そういった広告がある程度現実的な効果をともなって
打つことができるからだ。

その際に、コンテンツの質というものは問われるが、
そこにはもちろん確信を持っているからだ。
それは、万人を喜ばせ、万人に受けるものではなく、
必要としている人がきっといる、という意味において。

これが学費であるならば、
僕はまだまだ勉強させていただく。

さて、FacebookのLike数が、いくつになったら、
YouTubeの視聴回数が、いくつを超えたら、
メーリングリストの購読人数が、何人になったら、
僕の目指す成功というものは、手に入るのだろうか。

というか、そもそも僕はずっと成功というものを、
信じていなかった。
そんなものがあるとは、信じていなかった。

やっと少しは、信じる気になったのか。

それは、変化といえるかもしれない。

どれだけの成功を手に入れたら、
世界を変え、
世界を征服し、
新たな世界を作り出すことができるか。

問いかけているつもりですよ。

何度でも繰り返すが、
熊谷幸子さんは、僕が日本のポップミュージックの歴史の中で、
ロックバンドとかも含めて、
僕が知っている中では、
もっとも尊敬し、敬愛する、フェイバリットミュージシャンだ。

90年代に活躍した熊谷幸子さんが、
その後、家庭に入るとともに活動を休止し、
ずっとその素晴らしい音楽の思い出にひたっていた僕たちにとっては、

こうしてリアルタイムで、現在形の充実した熊谷幸子さんのコンサートが毎年のように見れるというのは、ほとんど夢のような出来事だ。

そして3年目となる今年のコンサート、Kumasachi Exhibitionは、
本当にすばらしかった。

特にここ最近、心身ともに落ち込むような思いの出来事が多かったので、
自分にとってもとても癒しというのか励みになった。

僕は、先述のように、
日本のポップミュージックの歴史の中で、
ロックバンドも含め、
いちばんのフェイバリットは、この熊谷幸子さんであると
常々言っているが、

その思いは、なんというか、またあらためて、確信に変わってしまった。

そして本当に、考えさせられた。

個人的なことを言えば、
ここ数年、僕は毎年のように、自分の人生のとって節目のような重要な音楽的な体験をしているが、
それは、嬉しい意味だけでなく、寂しい意味においても。

例をあげれば僕の「日本でいちばん好きなロックバンド」であるところのbloodthirsty butchersは、昨年、リーダーの吉村秀樹氏が急逝したことで、伝説になってしまったし、

またそのブッチャーズとも縁の深い、僕にとっては「21世紀になって出会ったもっとも素晴らしいインディーバンド」であるところの+/-{plus/minus}は、彼らも家庭を持ったことにより活動がスローダウンし、今年の初頭に出た5年半ぶりのアルバムは、なんというのだろうか、かなり丸くなっており、少なくとも僕の飢えと渇きを癒してくれるものではなかった。

もちろん、世の中には、日々自分に刺激をくれる大小、新旧のバンドはいくつも存在しているけれど、

本当の意味で光を注いでくれる存在として、
熊谷幸子さんが、ここへきて、これほどに着実な活動、そしてこれほどの音楽を現在形のアーティストとして届けてくれるとは、
正直まったく予想していなかった。

復活後、夫婦ユニット”CODAMA Through”としての新たな活動であるが、
今回のコンサートは、初めてバンドを起用しての演奏ということもあり、
その感動もひとしおだった。
演奏した曲目も、もちろんかつての熊谷幸子の名曲をやりつつも、
完全に現在形でCODAMA Throughの音になった、と言える感じになった。

バンドの人たちも、それぞれに素晴らしく優秀なミュージシャンたちだったが、
かといって、気になった点や、注文したい点はそれぞれなくはないのだけれど、
けれどもこのバンド編成での演奏は本当に感動的だった。

そして現在、この時代に、この場所で、日本で、音楽をやるということの意味。

そのメッセージ。

アンコール1曲目で、「CODAMA Throughなりの反戦歌」といって演奏した曲。
「けもの」というタイトルのその曲、けものという言葉は、まるで黙示録を思い起こさせるが、ここまでストレートなメッセージを歌い上げることに、心が打たれた。

メッセージというのは、言葉にできないし、
けれども、それがなければ音楽には意味はない。
僕は、今の熊谷幸子さん、CODAMA Throughが鳴らしているそのメッセージに、本当に心打たれている。

考えさせられたのは、その世界のどこにも無いであろう音楽世界。
その作り上げてきた音楽世界。

どうだろう、たとえば、
日本は、一般には、ロックや、いろんなポップミュージックをやるのに、
必ずしも、土壌が豊かなわけではない。

つまりは、多くのポップミュージックが、外国から輸入されたものであること、
一般に日本人は、リズム感や、音感の面で、不利であったり、
また言語や文化や生活環境の面で、歌うことに関してもハンディキャップがあったり、
どうしても甘やかし噛み砕いて与える現代のカルチャーが本物の普及を阻んでいたり、

少なくとも日本で本物のロックをやろう、と言ったときに、
それはかなり、無理じゃない、という感じの部分がある。

それは、ロックに限らず、また音楽に限らず、いろいろな分野でも共通して言えることだとは思う。

だが同時に、日本は豊かな国であり、矛盾するようだが、文化的なレベルは高い。

その中で、そうしたハンディを克服して、また才能によって乗り越えて、
道を追求する人たちは、本当にレベルが高いのだ。

それは、あるいは世界のどこよりも、日本において道を究めようとする人たちは、その独特の在り方において高度なのかもしれない。

それは、世界を理解した上で、自らを理解することができるからではないかと、僕はそう思う。

それは霊的(スピリット)な意味合いにおいて、
もっとも霊的に高いものをつかむことができるのは、
意外とやはりこの国において道を究めようとする人々なのかもしれない。

話それたし、うまく言葉にも文章にもできていないが、
僕の中ではそれはmake senseしたのだ。
そう、すべてがmake senseしたのだ。

案外とそれが今回のコンサートで僕が得た最大のものかもしれない。

僕は映画を見てもコンサートを見ても涙もろい方なので、
今回も、1曲目の「ハーモニー」からあっけなく号泣し、
最後まで感動しっぱなしだった。

バンド演奏だけでなく、
「夜明けの歌」や、「まくなぎ」などは、
こうしてピアノの弾き語りで聴くと、
いかにすさまじい楽曲かということがよくわかる。
またその音の向こうにあるメッセージと世界観は本当に素晴らしい。
本当に涙が出て、また戦慄し鳥肌が立った。

日本にはユーミンもいたかもしれない、
矢野顕子もいたかもしれない、
他にもいろいろいたと思うが、
その誰でもなく、

もっとも恐るべき才能は、
この熊谷幸子さんだったのだ。

その思いは、ほとんど確信になった。

そして、90年代のメジャーアーティストとしての活動よりも、
むしろアーティスト、ミュージシャン、
そしてライヴ活動においては特に、
熊谷幸子というアーティストの、今こそが旬ではないか。

そしてこれはまだ現在形だ。
まだこの続きがあると思うと、
本当にすばらしく期待を感じる。

7月にまた鎌倉でコンサートがあるそうだ。
昨年夏、鎌倉のコンサートは、会場もとても素敵で、
映画でも見ているかのような本当に素敵なコンサートだった。
他にはない音楽体験をしたい方にはおすすめです。

こちら

今、これを書きながらSwitchfootの新譜を聴いている。
これも今年のはじめに出ていたやつだ。
Switchfootは素晴らしいバンドだし、
この新作もとてもポップで素晴らしいが、
もうアメリカのバンドに本当の意味で新しい音が鳴らせるものだろうか。
もっともその中でもSwitchfootはよくやっている方だけれども。

数字や、技術や、物量的な意味ですごいものではなく、
より違う世界に、新しい世界に、より高い次元に、
鳴り響く、
鳴り響き、創り出す、
そんな音楽が聴きたいものだ。

Musician’s success depends on， breed， family， circumstance， place， time， and luck. It’s getting more so， as rock music becoming more and more of “classic” art form. However， building your own world as a songwriter is a different thing. Writing songs and creating your own music world， it has nothing to do with time/place/age/circumstance. Creativity， originality， and experience. These things， can’t be taught. These things， you can’t buy anywhere. (and I hope my english is correct.)

理想の楽器、理想の道具、理想のアンプ、理想のスピーカー、理想のプレイ、理想のステージ、理想のバンド、そういったことを皆、追求し考えるけれど、

理想のオーディエンス、このことってあまり語られない、考えられていないのではないかとふと思いました。

では、楽器は選べる、アンプも選べる、バンドや、会場も選べる(あるいは選べないかも)、
でも、オーディエンスは選べない。
と普通は思うと思いますが、

本当にそうだろうか。
オーディエンスを選ぶということは、
実はいちばん大切な本質なのだと思います。
なぜなら、多くの場合、ミュージシャンは、無意識のうちのそれをしてしまっているから。
あるいは、もっと簡単に、また一般的に、ターゲティング、というふうに考えてみても、それは同様に重要ではあります。

せっかく、この歳までゆっくり時間をかけてきたのだから、
理想のオーディエンス、ということについても、
時間をかけて追求していきたいと思っています。
それは、たぶんかなり深い意味があると思います。

しかしその音をこうして目の当たりにすると。
「猫ポール」は本当に奇跡的な楽器だということがよくわかる。
昨年、この楽器に出会い、僕は、霊的な意味において、これがたぶん自分のギタリスト人生において、自分が出会うことのできるもっとも良いものであろうと、つまりはこれが自分のギタープレイヤーとしての霊的な限界であろう、と思った。
(なぜなら、人は誰でも、自分の霊的な限界を超えるものを認識することが出来ないからだ)
しかしそれは違ったのだ。
この楽器は、自分のギタリストとしての霊的な限界を超えるものだった。
つまりは、本来であれば手に入れることのできない、出会うことのできないはずの楽器だったのだ。
これは、自分が自分自身の霊的な限界を乗り越える、ブレイクスルーする、ということを意味する。
あの時、この行動をしなかったなら
昨年、この選択をしなかったなら
その時、彼とこういう会話をしなかったなら
あのとき、彼女に親切にしなかったら
それらのものが、ひとつでも欠ければ、出会えなかった境地。
今までであれば、自分の器、自分の器量を超えてしまうもの。
自分を変えていくこと。
自分を日々新たにしていくこと。
新しいことに挑戦する。
未知のものに心を開いてみる。
探求のために、もう一歩、踏み出してみる。
その一歩が、自分を変えていくことにつながっていくのかもしれない。
まだまだ、僕は歩き出したばかりだ。

僕は昨年、この「猫ポール」を手に入れるに際しても、非常に逡巡した。
僕にとってそれは、one more extra stepだったからだ。
さらにもう一歩、前に進み、究めようというのか。
少しでも予算があるならば、
それを、たとえば次のアメリカ遠征であるとか
世界戦略であるとか、
ビザの取得であるとか、
そういったことのために残しておくべきではないか
成功したいのであれば、予算を管理して
戦略的に過ごしていくべきではないのか
そう考え、迷い躊躇した。
けれども、予算の残りの額で、人生や戦略を考えてしまうのはよくない。
予算の限界を、人生の限界にしてしまう発想はよくない。
神様につつかれているような気がして
そして、親父さんに背中を押されているような気がして
自分はこの楽器を選んでみた。
あるいはその一歩は、
これからも音楽を鳴らし、道を究めていくのだという、
神に対しての申告であったかもしれない。
自分の考えや、人の計画を超えて、きっと神さんの計画はあるはずだ。
それが、「より霊的に高みをめざし、道を究めていけ」という趣旨であることは、いずれにせよ間違いはなかろうと思う。
そしてリハーサルとサウンドチェックを終え、長い一日の帰り道、世の中に対してのフラストレーションと疲れに消耗していた自分の前に、ふとイエス・キリストが現れた。
そして彼は言ってくれた。
自分の迷いや憤りは溶けていった。
存分に音楽を鳴らそうと思う。
彼がそう言ってくれたように。

何度も言うけれど、Deviser社の楽器は、95%は自分のスタイルには合わないけれど、残りの5%の中に、自分にどんぴしゃのものが存在しているようだ。猫ポールはその数パーセントの一例だった。
アコースティックギターなんてものは、
自分にはそれほど必要がないけれど、
もし長生きして、いくばくかの成功を、芸術的にも技量としても現実的にも手に入れることができたら、
そのうちHeadwayのアコースティックギターも、手に入れてみたいな。
そんな未来があったらいい。

で、今週からヴォーカルトラックを録音しないといけないんですが、ともかく。

今回、ギター録音は、ちょっと初めてのことがありました。
というのは、昨年あたりから、ギターとか楽器とかギターサウンドということについて、ずいぶん考えて、いろいろ発見があって、ちょっとした楽器を手に入れて、ギタープレイヤーとして少しは進歩したと思うんですね。別に急に上手くなったとかじゃないけれど、エレクトリックギターのサウンドの本質というのか、ギターを鳴らすことについての本質について、ちょっと考えることが出来た気がするので。

で、何が初めてだったかというと、こんな良い楽器を使って録音したのは初めてだということでした。
別に、今までだって悪い楽器を使っていたわけではないし、
過去にはとても良いギターを使わせてもらったり、自分の所有するギターでももちろん良いものは使っていたけれど、
こんなふうに突き詰めたレベルにたどり着けたのはちょっとした成果でした。

最近とみにこう言って、こう考えるんですが、
昔は、自分が主体的に音楽をやっている感覚がまだあったけれど、
近年、年々、楽器の奴隷というのか、
自分はそれほど何も考えず、楽器の言うなりに、楽器に操られるように、
それは演奏とか音楽とかだけじゃなく、人生そのものが、
楽器にあやつられて、楽器の奴隷みたくなっていて、

でも、それは、人としては、困ったことばかりだけれど、
プレイヤーとしては必ずしも悪いことではないわけですね。
なぜって、楽器の声が聞こえるわけだから。
だから、演奏するときも、楽器の言う通りにしていればいいわけです。

今回、初めて、これほど「良い」楽器を使って録音してみて、
それは、とても楽だった点というのがあって、
それは、ギターの言うままにどんどん弾いていけばよかった点。
あまり、こちらの方で考える必要がなかったし、
自分が鳴らさなくても、
楽器の方で勝手に鳴ってくれた。
良い道具というのは、こういうことなのだと少し理解した。

今回の録音に使ったのは、3本のエレクトリックギター、

まずはHamerの97年製コリーナフライングV、Vectorというやつですね。
これ、1997年に限定で作られたやつで、
最近、Hamerのクロニクル本を読んだんですが、そこに載っていた当時の日本の代理店の広告に書かれている当時の定価を見て、ほとんど卒倒しました。そんなに高いギターだったのかよ、これ、って。悲しいかなこれはGibsonとかじゃないんで、中古のリセールバリューはあんましないんですね。
でもそのHamerの資料本によると、その当時作られたこの限定のコリーナフライングVとか、コリーナエクスプローラーは、Hamerの歴史の中でも最高傑作の部類らしい。そして今回の録音でもその真価は体感できました。さすが「うん十万」のギターだよ、つって(笑) まあ、そうはいっても輸入代理店がたっぷり上乗せしてたんだろうけれども。

次に、これは昨年出会った自分のギタリスト人生のファイナルアンサーである楽器、Bacchusの通称「猫ポール」ですね。フレイムメイプルの日本製レスポールなんですが。これ、値段はHamerの、定価ベースで考えても、売値で考えても、何分の一かってところなんですが、楽器としての実力はほぼ互角かなと。この数ヶ月、家でちまちまとデモ制作やパイロットトラック制作の折に、Hamerと競争させまして、今回のこの録音、12曲のうち、パイロットトラックの段階では3曲でHamerに軍配、あとの9曲には猫ポールに軍配が上がりました。これは、どうしてもHamerはフライングVなので、低音のかっちりしたレスポールの方がどうしても応用範囲が広いってことなんだけれど、果たして、スタジオでアンプでおっきい音鳴らしたら、この結果は変わるだろうなと予想していました。半々くらいになるんじゃないかと。で、この2本の最高のギターを比較して競わせながら、この曲にはどっちの楽器が合うかなと試しながら録音していったんですが。

結果、パイロットトラックの予想と少し違い、
Unlimitという曲は、Hamer Vectorが持っていった。
Hometownは予想どおりHamerが持っていったけれど、
Unknown Roadは予想に反して猫ポールが持っていき、
そして、予想では絶対にHamerの方が合うだろうと思っていたBorn To Rideも、猫ポールが持っていってしまった。

ギターとしての凄さっていうか、鳴り方で言うと、さすがにHamer USAの傑作フライングVは、めっちゃ鳴りで、こっちのが凄いかなと思うんだけれど、
フライングV独特の鳴り方をするので、なんというか軽やかなサウンドで、少し柔らかめな音ということもあり、どの曲にも合うというわけにはいかない。

けれども猫ポールの場合は、レスポールというギターの特性なのか、ほとんどどんな音でも出すことができてしまう。ので、結果として、こっちの方が採用される曲が多くなり、終わってみれば、12曲中、Hamerを使用したのは2曲のみで、あとはBacchus猫ポールを使用、けれども2曲のギターソロでは、MusicMan Axis-EXSのソリッドの赤を使ったのでした。まあ、そうはいっても、Hamerを使ったのは、アルバムの頭の2曲だから、責任は重大だよね。

猫ポールの表現力の多彩さということについては本当に思い知らされたのであって、いちばんヘヴィな曲から、繊細なアルペジオまで、本当によく表現してくれる。
ぶっちゃけ弾いていて気持ちいいのはHamer Vectorの方なんだけれど、Vectorが3種類の音が出るとすると、猫ポールは20種類くらいの音が出てしまう。
けれども気持ち良さっていうこともあり、軽やかなサウンドキャラクターは自分に合うことを考えても、ライヴとかツアーとかだったら、たぶん僕はHamer Vectorの方を持ち出すだろう。パフォーマンスとか見た目の問題もあるしね。
でもどうかな、もうちょっとHamer Vectorを使うべきだったかな。
すべてに満足しているわけではないし、面倒だしこういうのは自分は一発勝負なので、録りなおしはしたくないけれど、結果は作品が完成するまでわからない。
でもどちらにしても、すごく良いギターが録れたのは事実だ。

Hamer Vectorはひたすら弾いていて気持ちよいけれど、猫ポールの場合は、気持ちよいというよりは、ギターの方からいちいち要求してきたり、注文をつけてくる。必ずしも弾いていて楽しいってわけではない。「この下手くそ、もっとこういうふうに弾けよ」とギターの方から言ってくる。それはそれで、たまったものじゃない。けれども、ちゃんと耳を傾ければ、自分の力量以上の演奏ができる。その楽器とのインタラクションというものを、今回の録音作業を通じて本当に思い知った。

今回、アンプはスタジオにあるMarshallのJVM210を使用したのだけれど、
事前に書いていたように、オーバードライヴのチャンネルでも、クランチっていうか、いちばん歪まない緑のチャンネルしか使わなかった。
長いこと愛用しているCranetortoise/Albitの真空管ブースターに突っ込むことで、ギターの特性を生かした生々しい音を鳴らすことができた。
そしていちばんヘヴィなメタルコア的な曲や、現代ヘヴィネスな曲、スラッシュメタル的な曲まで、このクランチチャンネルで弾ききってしまった。
それはそれで、間違いなく、どんどんレンジが狭くなりどんどんダイナミクスがなくなってゲインばかりが上がっていく現代のヘヴィメタルサウンドに対する、自分のアンチテーゼでもある。問題提起ということだ。
おまえら、そんなギターサウンドでいいのか、という。
本当のヘヴィネスっていうのはそういうことじゃないぞ、と。
ゲイン低くてももっとヘヴィな音出せるんだよ、
ていうかヘヴィという概念を変えてやる、っていう。

そして、録音方法は、2本のマイクを使ったけれども、
低予算のDIY録音ではあるけれど、何度もやっていることなので、
果たしてギターアンプの音を、どのようにしてキャプチャーしたらいいか、
ということについては、自分なりのノウハウが出来てきたと思う。
とても生々しい音を録音することができたと思う、
思うの、だが、

そうは思っても、
今回本当に思い知ったのは、
本当の意味で「本来の意味で鳴る」エレクトリックギターを鳴らしたとき、
そのサウンドは、とてもじゃないけれど録音できるものじゃない、
とらえられるものではない、
とてもじゃないがキャプチャーできない、
ということを、身を以て思い知った。
だから、いにしえの昔、60年代とかの時代から、
現代に至るまで、
レコード、CDで聴けるギターサウンドなんていうのは、
やはり所詮、録音というか、
生のギターサウンドをそのままとらえられるわけじゃない。
というか、このサウンドを、とらえられるわけがない、
ということが、よくわかった。
周波数も、ダイナミズムも、音圧も、パワーも、アタックも、
すべて、録音機器の能力をはるかに超えている。
こりゃ無理だ。

トッププロやレジェンドが長い歴史の中で無理なんだから、
DIY貧乏録音している僕に、それができるわけがない。
だから、そのへんは割り切ってやるしかない。

というよりも、
自分は、今回、このように「本当の意味で鳴るギター」で、
本当の意味で真空管をドライヴさせて、
素直なアンプで鳴らした音、
それで録音するというのが、そもそも初めてだったわけだ。
今更ながら、本来、本物のエレクトリックギターの音というものを、
この歳にして初体験したと言っていい。
それはもう、衝撃的な体験だった。

なので、結果的に、そんなに爆音出していたってわけじゃないはずなんだけれど、
でもやっぱり非常にラウドで、
ヘッドホンでモニタリングも非常に無理があり、
リズムトラック、つまりドラムやベースをきちんと聴く余裕もなく、
アドレナリンが出っぱなしのままで、
がくがく震えながら必死で弾いた。
そしてなるべく数テイクで済ませるようにした。
ていうか、こんなのそんなに何テイクも弾けるはずない。
体がもたない。
心ももたない。
だから、リズムというかタイム感的にはかなり走ったギタートラックになったと思う。
けれども、それでたぶん良かったのだろうと思うのだ。

そして、同様に、ソロを弾く段も、非常に大変だった。
完璧でなくてもいいから！
テイク数はなるべく少なく！
そして、パンチインや、テイクをつなぎあわせることも極力なく！
とにかく走り切った。
とにかくにも、この「鳴るギター」を「ずっと使ってきた真空管ブースター」にぶっこんだときに、「あの音」が出ることに気付いたのが、録音の二日前のバンドリハ。

つまり、「こんな音」でギターソロを弾くこと自体が初めてなのだ。
もう、とてもじゃないがマイクでとらえることのできない倍音とアタックのきゅんきゅん、ぎゅんぎゅんっぷりに、
もう、顔をくしゃくしゃにしながら、顔弾きよろしく、悶絶しながら僕は弾いていたのだ。
それはもう、生々しいソロが録れたと思う。

2曲のソロで使用した、MusicMan Axis-EXSも良い仕事をしてくれた。
僕はAxis-EXは2本持っていて、2002年から使っているピンクと、2004年から使っているこの”EXS”の赤だけれど、
このEXSはアルダーのソリッドボディで、どちらかというとストラトに近い。
そして、まるでストラトの完成形のように、そして年月を重ねるごとに、まるでヴィンテージストラトのような鳴き方をするようになってきた。
ボルトオンのギターにはこういうことがあると思う。
ぶっちゃけボルトオンのギターは値段でもないし作りでもないと思う。
なんというか、気持ちいい音が出ればそれで勝ちというか、まさかの要素があるように思う、ボルトオンのギターには。
その、「万能型完成形ストラト」の持ち味を、十分に引き出すことができた。
たった2曲のソロであるが、とても印象的であろうと思う。
そもそもよく考えると、僕はこれまでこのAxis-EXSの赤を、結構ひんぱんに録音で使ってきた。ドイツで録音したときにも連れていった。あの作品でもこの作品でも使っている。実はそれだけ優秀なギターということだろうと思う。
ピンクのAxis-EXの方が音は高級で安定感もあり、バッキングを弾くには良いのだが、食いつくようなソロを弾くときにはこっちの方が勝る。

とにもかくにも、こんな音で弾くのも初めてだったし、
こんな音で録るのも初めてだ。
録音したトラックを既にだいたい整理しているが、
たとえ、その場で鳴っていた音の半分もキャプチャーできていないにしても、
それでも十分、生々しく、衝撃的な音を記録することができていると思う。

猫ポール、つまりそれはレスポールであるので、
しかもヴィンテージタイプの鳴り方をする楽器であるので、
速弾きをするのに適しているか、と聞かれれば、ぶっちゃけ適していない。
けれども、幸い、本物のヴィンテージよりは、現代的な音がするはずだし、僕はそれこそが今回のテーマだと思い、そのサウンドのままで弾き倒してしまった。
きゅいんきゅいんという決して速くはない立ち上がりのアタック、その音のままで弾き倒した速弾きのソロは、果たして成功なのか失敗なのか。
それはわからないが、でも新しい境地は開くことができたのではないかと思っている。まさに猫がぎゃーっとうめくごとく、わめきまくっていると思う。
それが、新しい時代のギタープレイ、ギターサウンドを切り開くことができているかどうかは、聴いてくれる人ひとりひとりに判断してもらうしかない。

正直なところ、
ミュージシャン、プレイヤーのはしくれとして、
自分の実力の無さや、結果の出ない時には、落ち込むことも多々あるが、
今回、こうして録音作業に取り組んでみて、
また、ここ最近の自分が取り組んでいたことが、こうして結果に結びついているのを感じ、
ああ、自分は間違ってはいなかった、というのか、
ここまでの境地に来ることが出来ただけでも、
たぶん自分の選択は間違ってはいなかった、と、
なんだかとても報われた気持ちになった。
たぶん、これでいいのだ。

世界で最高のエレクトリックギターとされる、
たとえば、59年製のレスポールや、58年製のフライングV、
それらは、もう何千万円という価値、値段がついているもので、
とてもではないが、僕ら無名のバンドマンに手が出るようなものではない。

けれども、今回、僕が取り組んだ録音、ギターサウンド、
つまり、Hamer Korina Vectorは、
「もし、伝説の58年フライングVを、無名のインディバンドが手にしたらどうなるのか」というテーマであるし、
笑うかもしれないが、Bacchus猫ポールは、
「もし、伝説のヴィンテージレスポールを、無名のインディバンドのギタリストが手にしたらどうなるのか」という仮想条件のテーマでもあるのだ。
もちろん本物の59レスポールなど弾いたこともないし、
むしろBacchus猫ポールは、それよりもモダンな味付けの楽器だと思うけれども、
それも含めて、本来のエレクトリックギターというもののサウンドと、その表現力が、どれだけ自分を導いてくれるのか、という実験。
その意味では、今回の録音は、自分をまったく未知の領域まで導いてくれた体験だったと断言できる。

とある曲のイントロで、無伴奏のギターソロから入る曲があるのだけれど、
それはフルピッキングでシンプルな速いシーケンスフレーズを繰り返すもので、
それはそれで難しいものだったのだけれど、
実は、録音の前日に、「これ、やっぱ変えよう。もっと華やかにしよう。」と思い立ち、
一年以上練習してきたそのフルピッキングの面倒なフレーズを放棄して、
前日の晩に、それ以上に面倒なタッピングのソロに変えてしまった。
どう面倒かというと、右手の指を3本使うタッピングなので、ちょっと難しいのだ。
当日、それを爆音のフィードバックの中で弾くと、余計に難しかった、が、なんとかやりきった。

ぶっちゃけ「弾いていて気持ちいい」Hamer Vectorをもっと多用すべきだったかもとも思う。
けれども、その無伴奏タッピングのソロも含めて、猫ポールの表現力と、いちいち弾き手に要求してくるあたりが、どれだけ今回の楽曲の可能性を広げたかわからない。
不可能が可能になった瞬間をいくつも見たように思う。

一人のギタープレイヤーとして、
こういう演奏ができるようになった、
こういう境地に立つことが出来たこと、
それだけでも感謝したい。

でもこれからだ。
これから始まるんだ。
そして、自分はまだまだ下手くそだと、
そう猫ポールに言われている。
本当にしゃくにさわる楽器だ。

だからツアーには絶対にHamerを持っていく(笑)

今週はヴォーカルトラックに取り組む。
その予定だ。

ハーモニーをつけるのが難しい曲ばかりだ。
どうか良い発声ができますように。

が、逆に言えば、これだけ状態の悪い中、声が疲労している中でも、技術によってなんとか出すべき声を出してひとつずつクリアしていくことができている、ということで、そのあたり(発声の技術)は数年前に比べて、年々向上していっているところだ。
初日は体調が悪かったし、二日目は不眠症で一睡もできなかったし、三日目は前日までの無理がたたって声が死んでた、ってことで、どの日も、おおよそ声の出ない中、技術を使って声をひねり出している、ということで、言ってしまえば今回の作品のヴォーカル録音は、残念ながら調子の悪い状態で行っていることになる。
今日も、3曲歌ったうちの、3曲目になるころには、もう技術でもどうにもならないくらいまで声が死んで、残りの力で勢いだけで振り絞って、振り絞るなんていう言葉は発声の観点からしても適切ではない言葉だけれど(笑)、そのくらい無理矢理にやった。

この選択が正しかったか誤りだったのか、つまり、調子の悪い中、三日間連続で作業してしまったことが、やはり無茶というか、間違った選択だったかどうかは、録音作業が終わって作品が完成してみないとわからない。むしろ状態が悪かったからこそ、技術に頼るしかなく、だからこそできた表現もあるかもしれない。けれども状態の悪い中、最小限のテイクをつないでいったので、そのあたりはアラが見えてしまう結果になるかもしれない。あとはそれを編集とエフェクトなどでどれだけごまかせるか。ハーモニーパートを加えることで気にならないところまで持っていけるか。

さすがに明日は歌わないことにしようと思う。
明日またこれをやったら間違いなくノドに問題が出る。
というか、三日連続でこれをやってしまった時点で、既にノドに問題が生じても文句は言えないというのが正直なところだ。回復してくれると良いのだが。

ノドに負担のかかる録音作業で、初日、二日目と体調が悪く無理な発声を続け、その上で三日目もやってしまったということで、そういった不運のせいもあるが、こんなにヴォーカル録音に苦しむのは、あのスランプまっただ中だった”Japanese Pop”の時以来ではないか。あの時は場所や環境もいつもと違ったからなおさらだったけれども。
しかし今回はその体調などの不運も、技術でなんとか乗り越えているという感覚はある。

バンドで歌う時、バンドの爆音に対して対抗しようなんていう意識はすでに無いので、力まずにマイクにまかせて声を響かせる方法論でだいたい歌っている。(もっともそれができるようになるまでには時間がかかった。そして今でもときどき、力んでしまうことはある。)
(僕は2006年初頭までは、パワーで力んでシャウトする発声法だった。それを2006年、2007年くらいから、力まずにいわゆるミックスヴォイスを使って発声する方法に変えた。”Japanese Pop”のレコーディングの際にスランプだったのは、その切り替えの真っ最中だったからだ。)
だが今回の録音に際して、録音のときには表現を突き詰めていく必要があるし、体調が悪かったので必要以上に声を出そうとして力んでしまっていた。それもあってノドに次第に疲労とダメージが蓄積されてしまった。
またあらためて、ライヴ、バンドで歌うことと、録音で歌うことは本質的にまったく別のことであるということも思い知った。
もちろん録音も何度もやってきていることではあるし、ここ最近のヴォーカル録音ではいつもうまくやっていたつもりなのだが、今回はあらためて録音作業の恐ろしさを味わっている。よくよく考えると、今回取り組んでいる楽曲はどれも難しいのだ。

こんなに無理をせず、もっとゆっくりと時間をおいて、時間をかけて作業すればよいと思うかもしれないが、Do you think we can afford it? そんな余裕があると思うだろうか、つまり生活や、予算や、時間や、そして気持ちの上でも。やはり人生の残りの時間を、僕は急いでいるのだろう。

さてリードヴォーカルに関しては残り2曲となった。
ほんのちょっとだけ休憩したのち、やっつけると思う。
そしてその2曲のうちのひとつは、「大ボス」だ。
僕らはこのレコーディング作業中、その曲のことを「大ボス」と呼んでいた。
ドラムについても、ベースについても、そしてギターについても、その曲は非常に難しい難曲なのだ。
そしてそれはヴォーカルパートとて例外ではないのだ。
その曲には、今までで書いた曲の中でいちばん高い音が出てくる。
女性だったら出ると思うが、もちろん男性にとっての高い音ということだ。
つまり点のふたつ(?)ついたAの音が出てくる。
もちろん、それはシャウトする音だ。
その音をシャウトし終えた瞬間に、ノドが壊れてもおかしくない領域だ。
(もちろん、バンドリハーサルや、ライヴでも、何度も出しているのだけどね。)
難しいから最後にとっておこうと思ったのだが、
今から思うと、ノドにダメージの少ない最初のうちにやっつけておけばよかった(笑)

自分がロブ・ハルフォードとか、マイケル・スウィートとかに、なったと思い込んでやろうと思う。

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以下は自分のためのメモだ

歌う声としゃべる声は別、とよく言うし、僕もどちらかというとしゃべり声と歌う声は違う方だけれど(いくつかの意味で)、
今回、しゃべる声の方にそれほど影響はなく、歌う声、つまりはヘッドヴォイス、いやもっというとヘッドヴォイスを歌うために下ろしてきたときの声、が、非常に嗄れていた。だからといってしゃべるのがつらくないわけではないが、しゃべる声は比較的、普通のままだ。といっても、今、嫁さんと会話していたら、しゃべる声もついに嗄れてきたけれど(しばらくしゃべらないほうがよさそうだ)。この現象はわりと初めてかもしれない。興味深い。

今回、たとえばギター録音の際にも、現場でアンプが鳴っている音がマイクに収録できない、マイクや録音機器の能力を超えてしまっている、という現象があったわけだけれども、ヴォーカルに関しても似た現象が起きた。それは、急に音量が大きくなったときにおかしなクリップ現象が起きてしまうということだった。マイクの時点で歪んでいるわけでもないし、デジタルの入力でクリップしているわけでもない。ただ、音量の急激な変動の部分で、波形が直立し、クリップと同じような現象が起きてしまうのだ。これも初めてだった。結果、マイク(NT-2Aだった)のパッドを入れて、マイクから比較的離れて歌うことでなんとか対応した。けれども、これはちょっと嫌だった。原因がよくわからず、マイクなのか、オーディオインターフェイスなのか、あるいは録音するLogic Proの方なのか、何が悪いのかよくわからずいろいろ試行錯誤せざるを得なかった。なんにせよマイクにパッドを入れて歌うなんて初めてのことだった。これは機器のせいにしたほうがいいのか、それとも自分のダイナミズムが向上したと捉えていいのか。

今回、ノドへの影響という点でいちばん苦しんだのは、音域の落差というか、切り替わりというか、つまりはチェストヴォイスからヘッドヴォイスへの切り替えの部分だ。今回取り組んだ曲目は、わりと音程、音域の落差が激しく、かなり低いところから高いところに切り替わる場面がちょくちょくあり、チェストで表現するために声を押し出さなくてはいけないところに、そのすぐ後にヘッドヴォイスで表現するために脱力しなければいけないところが来たりして、その切り替えがノドや体に非常に負担をかけた。これも、普段だったらそれほど苦労しないところなのだけれど、今回、体調やノドの状態が悪かったことで、より繊細なコントロールが必要になった。

自分は決して歌い手として上手いわけではないし、スタイル的にも無理してシャウトしている方ではあるが、自分の声の扱い方については年々少しずつこれでも向上している。ヴォーカルというか発声というのは、これはギターにも同じようなことが言えるが、気、みたいなのの操作みたいなところがあると思う。いわゆる中国拳法みたいなやつだ。力のかけかた、脱力の仕方、タイミング、そういう「気」みたいのの操作については、少しは上達してきたのではないか。

自分はアコースティック演奏をするときは、バンドでやるようなハイトーンでの歌唱はしないことが多い。これは、ひとつにはやはり、上で書いたように、チェストの領域での表現と、ヘッドヴォイスの領域での表現が、両立が難しいからだ。そしてヘッドヴォイスの領域での表現は、非常に繊細であるからだ。だが、ロックバンドの演奏において、自分が個性を表現できる、自分の表現ができる、と思うのも、そのヘッドヴォイスの領域での表現だ。落ち着いたアコースティックの表現と、エキセントリックで素っ頓狂なヘッドヴォイスのシャウトは、あまり両立しない。僕の場合は。

自分も年齢を重ねてきて、今回、ヴォーカルの録音をする中で、やはり少し年齢というものを感じた。それは別に、高い音域が出なくなったとか、声が老けたということではなく、ひとつには単純に声の深みが増した部分、これはどちらかというと、表現の幅が広がることであり、良いことだ。そしてもうひとつは、ヴィブラートの部分、ヴィブラートは、下手であるけれども、歳を重ねることで、やはり日本人ならではの、少し演歌や歌謡曲を感じさせるヴィブラートが自然にかかるようになってきた。ここは、やはりDNAの部分でごまかせないところではある(笑) 今回、特に、体調やノドの状態が悪く、そういった「嗄れた」声で歌ったことで、余計にその部分が強調されたかもしれない。つまりは、演歌というか、これは僕は、自分のヘヴィメタルヴォーカリストとしての、一番の指標となる、目標とする声は、「のび太くん」の声優さん(昔のね)だと常々言っているし、それから男性のハードロック、ハイトーンシンガーには皆言えることで、たとえばアースシェイカーのMarcyなんかも、近年のマーシーは、次第に、まるで「水前寺清子」のような声になってきているし、「枯れ具合」として演歌歌手のような渋みや貫禄が出てきている。日本人のルーツと、性別を超えたところの声の表現として、日本人男性ハイトーンロックシンガーの究極は「水前寺清子」なのかもしれない、と僕も時々思うのだけれど、なんだか僕も少しだけそっちの方向に近づいてきたかもしれない(笑) かといって、素っ頓狂な高音の表現はまだまだ可能だ。

結局また長い文章になった。

というわけで一応、リードヴォーカルは終わったわけだけれど、今回は本当に苦労したヴォーカル録音だった。体調の不良や、無茶な作業スケジュールのせいももちろんあったけれど、一日休んで行った本日の作業は、体調も、ノドの調子も、決して悪くなかった。だけれど、気持ちの上では、もう限界といったところだった。
結局のところ、精神的な部分、精神的なプレッシャー、霊的なもの、霊的な戦い、それから、決して言葉にして書けないけれど、あらゆる部分での霊的、スピリット的な戦い、つらい部分、苦しい部分、そういったものが、いちばん今自分にとって、「歌う」「声を出す」「奏でる」そして「生きる」ということに。そのあたりはやはりはっきりと言葉にすることができない。本当に苦しいときというのは、祈ることすらできない。できるのは「うめく」ことだけ。そして「おおジーザス」「おお神よ」と、助けを求めるようにつぶやくことだけ。考えてみれば、僕もそういう状態がずいぶん長いこと続いているのかもしれない。

録音作業を始め、歌おうとするとき、毎回、毎日のように、「声が出ない」「もう歌えない」「自分に歌えるわけがない」「こんなことできるわけがない」「もう歌うことなんてやめてしまおう」「もう音楽なんてやめてしまおう」、本当にそう思うのだ。「歌いたくない」そう思う。けれども、そこからなんとか声を絞り出していって、今回、本当になんとかリードヴォーカルの録音を終えた。大袈裟に聞こえるかもしれないが、自分にとっては今回のヴォーカルパートの録音はそういう種類の経験だった。

とにもかくにも「大ボス」であるところの、いちばん難しい曲、”Heaven’s Gate”というタイトルの曲を、歌い切った。点がふたつ?つくところのAの音もぎゃーっと出してきた。４、５回叫んで、適当なテイクを選んだが、今回スタジオで貸し出されたマイクが、なぜだか予約したのとちがい、パッドのついていないNT-1Aだったこともあり、声量の急激な変化による「謎のクリップ現象」を避けようとするあまり、マイクとの距離感が合わずに、いちばん良いシャウトのテイクを却下せざるを得なかった。ううむ。と、これはただの愚痴というか文句だ。このHeaven’s Gateという曲は、まあ、あいかわらず下手っぴでひどい歌唱かもしれないけれど、そうはいっても、メロディも、リズムも、音域も、シャウトも、表現も、使い分けた声の種類も、演じることや語ることも含めた表現の幅の意味でも、たぶん自分の、歌い手というのかシンガー、ハードロックシンガーのはしくれとしての、集大成というのか、今までの技術と表現を集約したひとつの自分にとっての頂点になることは間違いない。たぶん。と、思う。おそらく。願わくば。まだミックスもしてないし、コーラスパートもつけなきゃいけないが、リードヴォーカルを歌い終わって、この曲を歌いきったことに、とても誇りと達成感を感じる。つらい状態の中での作業だったから、本当に最小限のテイクですませたんだけれどね。

最後の一曲は予定外のことが起こった。
例の、無伴奏タッピングのギターから入る曲だ。
この無伴奏ギターイントロのタッピングも、録音の前日に急に予定を変えてこの形になったのだけれど、
リードヴォーカルに関しても、それが起きた。
つまり、”Heaven’s Gate”を歌い切った時点で、「もう無理」「もう限界」「もう歌えない」という状態になり、でもね、最後の一曲だし、いいじゃない。もうつっぱらなくても。
そう思ったときに、思い出した。
もともと、この曲は、オクターブ下の低い声で歌う予定だった。
少なくとも、最初にこの曲を書いて、歌詞ができたとき、僕はオクターブ下のキーで歌う予定だった。
けれども、バンドで合わせてみると、やはり低いキーでは音が通らない。
そこで、スタジオで演奏しながら、自然にオクターブ上で歌うようになった。
一応、ハードロックシンガーのはしくれですから、歌えるんだよ、オクターブ上でも。
でもね、もう歌えない。限界。
ハイトーンは、少なくとも僕にとっては、あたりまえに出るというものじゃないんだよ。
気力、体力、精神力、集中力、なんだろう、マジックポイントみたいなもの、
それが切れたら、もう出ない。
いいじゃない。他の11曲は立派に歌い切ったのだから。
だから、思い出した。もともと、オクターブ下で、気持ちをこめてやさしく歌う曲だったということを。
ライヴで通して、3テイク、低いキーで語るように歌って、
それでおしまい。
それが今回のヴォーカルのラストテイク。
でも、これでよかったと思う。
結果的に、この作品というのかアルバムの中で、
今まででもっとも高い音域のシャウトから、
やさしくcroon(ささやく)する楽曲まで、幅広く表現できた。
また、この曲をオクターブ下で歌ったのは、
たとえ高い音域が出なくても、また将来的に出なくなっても、表現できることがある、伝えられるものがある、歌える曲がある、ということを意図したかったのだ。
技術や能力がなかったとしても、伝えられるということを。

今、心に誓っていることがある。
それは、次の作品のヴォーカルパートのメロディは、絶対にもっと簡単なものにする、ということだ(笑)
今回の作品は、楽曲自体も、自由奔放に作曲してしまい、難しく、またヴォーカルのメロディも非常に音域が幅広く、メロディも難しく、とにかく難しくなってしまっていた。
次は、こんなに難しいものにはしない。
したくない。
もうこんなに辛い思いをして録音なんかしたくないからだ。

ハードロック、ヘヴィメタルだから、ハイトーンを使わないわけにはいかないけれど、
使ったとしても、見せ場のシャウトの一音、二音だけ、とか、そういう定石というか、オーソドックスな手法にする。

そんな感じ。
でもがんばった。
おおよそ、体調が悪く、声もしゃがれ声というのか、嗄れた状態でレコーディングせざるを得なかった曲がいくつもあるけれど、
でも、聴いてみると、それはむしろ福音というか救いだったのかもしれない。
良くも悪くも、細く幼い声である自分のヴォーカルが、そのせいで、少しばかり大人びて、というか、少しは歳をとって聞こえるようになった。
いつも5歳児くらいの声だったけれど、今回は、曲によっては、やっと二十代前半の青年くらいにはなっているかもしれない(笑)

やることはたくさんある。
とりあえず、今週は、バンドのリハもあるけれど、今月の生活の帳尻をあわせるために、もうちょっと働きます(笑)。

でも週末5/31には、ソルフェイのライヴがあるね。ベース弾くよ。
町田Nutty’s、出番は8:30PMくらいの模様。
ソルフェイに参加しての初ステージとなります。
よろしくです。